¿Qué ha pasado con Radiohead? Pues preparan su nuevo disco y parece que no tardará mucho en salir. Se nota que la presión era por parte de la disquera porque ahora se nota que la banda (principalmente Thom Yorke) están más relajados, haciendo lo que quieren como quieren.
Thom Yorke se presentó hace dos días en el Festival Latitude y tocó temas de su álbum como solista (“The Black Swam”, y “Harrowdown Hill” y la genial “Cymbal Rush”) y canciones “B´s” como las inigualable Big boots (no puedo creer que no esté en ningún álbum o sencillo) y “Follow me around”. Pero lo espectacular y la noticia es que presentó un nuevo tema que muy probablemente esté en el nuevo álbum, la canción se llama “The Present tense”.
Setlist del festival. Una hoja no más.
Un sello característico de la banda siempre ha sido de que presentan nuevos temas en cualquier parte, no importa si es un pequeño festival, un programa sin mayor difusión o un evento enorme. Presentan “fetos” o canciones bebés, y no siempre son las finales. “The present tense” es seguro que sonará muy diferente en el estudio (escúchese Big ideas o Nude, No surprises antes de Ok Computer, There There, Airpeggi, etc).
Además, el 15 de julio salió un disco de covers llamado Ciao Shining star: The Songs of Mark Mulcahy , y entre los artistas que estuvieron invitados se encontraban Michael Stipe y Thom Yorke. Thom Yorke canta “All fot The Best” canción de Miracle Legion´s. Aquí te lo ponemos. Por cierto, su hermano, Andy, ayuda con los fondos vocales:
Hace algún tiempo ya, el buen Wil prometió un post acerca de una interesante banda canadiense; el cual, aún no llega (nótese el reclamo entre líneas). Así que, mientras tanto, para mantener la, de por sí, muy deteriorada palabra de este blog, nos hemos sacado de la truza una nueva sección: Material de exportación. En ella trataremos de mostrar algunas de las bandas más representativas o interesantes de cada país.
Como el titulo delata, los desvirgadores son la progenie francesa en America, así que sín más, como diría el buen Xavier López "Chabelo" ¡Amooonooooooosss!
RUSH:
Legendaria banda de Ontario y uno de los emblemas del rock progresivo. Son muy reconocidos por su capacidad y complejidad técnica.
Disco recomendado: Moving Pictures de 1981
ANNIHILATOR:
Thash y Speed Metal clásico de segunda generación directo de Ottawa. Jeff Waters, es el único miembro permanente y creador del proyecto
Disco recomendado: Never Neverland de 1990
VOIVOID:
Más Thrash con una interesante mezcla de sonidos progresivos. Voivod surgió de Quebec y llevan ya casi 30 años en el ruedo.
Disco recomendado: Nothingface de 1989
3 INCHES OF BLOOD:
Estos atascados de Vancouver son de mis favoritos. Aunque todavia les falta algo para terminar de dar ese gran salto, es una banda que suena muy consistente. Un poco de Power, coqueteos con el Trash, Heavy del bueno y con la particular voz de Cam Pipes. Una bomba y buena alternativa para los que piensan que Dragonforce se exceden de crema.
Disco recomendado: Advance And Vanquish del 2004
KATAKLYSM:
Death metal muy elaborado y experimental. Riffs machacantes y lentos con cambios súbitos. Una montaña rusa de metal.
Album recomendado: Shadows and Dust del 2002.
CRYPTOPSY:
Y ya para terminar una leyenda de Montreal que estará pisando suelo yucateco proximamente. Death del cabrón, sólo para machines, pero como a mí se me traba la reversa, ahí le paro.
El siguiente versus es un poco complejo y para pensarse (como si no lo fuera el anterior), bueno, a ver si seguimos este tipo de post.
Ahí les va la pregunta, léanla bien: ¿QUIÉN HA DEJADO MÁS HUELLLA O HA APORTADO MÁS A LA MÚSICA EN MÉXICO, ZURDOK o ZOÉ?
Zurdok
Con tan sólo tres discos, Zurdok se convirtió en todo un suceso musical en México. Y es que la banda regiomontana fue uno de los pilares de la música alternativa en México. No había nada similar a lo que se tocaba en México, tenía más tendencias europeas que lo hacían una propuesta agradable y una puerta a nuevos horizontes musicales. Fue, por su puesto, lo mejor de lo Indie que pudo tener México en ese entonces, y en este ahora.
Banda moreliana que consolida un sonido alternativo con tintes psicodélicas (más en sus inicios).
El desarrollo popular que ha tenido ha sido brutal, tanto así que han tendio dos discos de platino en sus últimos trabajos. Son de las últimas grandes bandas mexicanas. Estancados en un estilo Indie, Zoé siempre ha sido una promesa que aún falta por consolidarse.
Hoy me levanté y me fui a conseguir unos discos con el Sr. Internet y que me bajo Libertinaje y De la Cabeza con Bersuit Vergarabat. Les dejo este videito para enamorarlos, un clásico, Sr. Cobranza.
Bring on the diesel and bring gasoline, burn it up and make him scream...
En un día común de un universo corriente comenzaría con mayor humor. Y con mejor coherencia pragmática. Sin embargo, de momento, no me siento obligado a ello. Hoy no es un día normal. Es uno de esos días en los que te sientes maquinaría. Pesas y entorpeces el sendero. Porque la compasión duele más. No. La suerte duele más. Quema y consume; expone la carne. Carne que no recuerdas que tenías. Entonces buscas sombra y cavas. Retorciendote pero sin dejar de avanzar. Más profundo, más reconfortante; más oscuro. Y ahí abajo tus labios se mojan. Ni sangre ni saliva. Más elemental: agua. Un río fluyendo. Un último impulso, los sentidos se contraen fijos en un punto estático. No puedes comprobarlo pero tienes la certeza de que avanzas. Tenue, imperceptible. Las grietas desaparecen y la humedad regresa. También la memoria y tu calidad de anfibio. Respiras. Más profundo, más reconfortante... más brillante. Vuelve la carne, vuelven los huesos.
Vuelves.
Y el río ya no tiene límites. Juntos somos infusión. Una a una, cada estrella retorna. La suerte clama tu regreso. Pero, a fin de cuentas, puede esperar. La corriente ofrece una mejor opción.
Enrique Bunbury es un poco raro. Raro su atuendo, rara su presunción. Y es que este cantautor español tiene talento, eso que ni qué, pero es de los que o lo entiendes y lo sigues, o lo odias y no le das la oportunidad.
Bunbury demostró tener talento cuando estaba en Héroes del Silencio, pero después de la separación, como a muchos otros, le vino la oportunidad difícil de demostrar su talento, o de irse al buró de los fracasados. Sin embargo, después de su disco Radical Sonora, su primer disco de solista, vino la imposición de su estilo y un crecimiento personal.
Radical Sonora es más un intento de desdoblarse a Bunbury el solista y no el ex Héroe del Silencio. Poco fallido ese disco. Sin embargo, vino Pequeño y pudo dar con la esencia de lo que era, un artista. De Pequeño se desprenden sencillos como “Infinito”, y “Viento a favor” que calaron en el gusto del público. Aquel disco está lleno de texturas y sensaciones de Cabaret, algo muy contrario a lo que logra Golfdrap con su Felt Mountain, digamos que el de Bunbury es más festivo y dramático, más teatral. Incluso sacó un disco especial llamado Pequeño Cabaret Ambulante, un disco grabado en la Ciudad de México. Además de tener un magnífico cover de “El jinete”, canción de José Alfredo Jiménez.
Con Pequeño, Bunbury se deshace de los tormentos del querer no ser, para poder demostrar su talento que es muy amplio y variado. Hay canciones con cortes rancheros, música del mediterráneo y hasta árabes. Es un disco no experimental, sino expositivo, se siente muy íntimo y variado.
Flamingos significó una extensión, más variada y popera. Si Pequeño fue íntimo, Flamingos se desprende de las entrañas, por concertar vivencias como la separación matrimonial. de Bunbury Es, a mi parecer, el mejor disco de Bunbury. “Contar contigo” es una gran canción aderezada de melancolía; una balada con letras con una fuerza, con rabia pero también con esperanza y serenidad “Que pueda contar contigo, como sabes que conmigo siempre” es un verso lanzado a su ex y a quien quiera tomarlo.
"Lady Blue" se convierte en la canción insignia de Bunbury. Para un solista, es necesario que cuente con canciones populares que siempre sean pedidas por el público, y que no tengan nada que ver con las que en su banda anterior, "Lady Blue" se convierte en esa canción que marcó la diferencia. Una canción en donde la letra y la lírica de las palabras son las que llevan la fuerza, incluso contienen un verso inolvidable “desde hoy/ no temas nada / no hace falta ya / todo se fue con el huracán”, y el inicio raro pero con un sentido más estético que significativo “hoy voy a empezar / hoy es el comienzo del final / el cocodrilo / astronauta soy en órbita lunar”. Bunbury se cree un poeta, y lo mejor de todo es que lo es. Detrás de esa presunción disfrazada encontramos la posibilidad de crear versos fuertes y simbólicos. Las letras de Bunbury están influenciadas por la corriente simbolista, a diferencia de su contrincante Cerati. Dos cantautores diferentes, dos estilos diferentes pero ambos genios.
Y ya entrando en comparaciones, los dos han tenido éxito como solistas y han tenido un crecimiento artístico,sin embargo, Bunbury lo tuvo más rápido y en más medida. Porque se siente un crecimiento a penas salido de Héroes del Silencio, en contraparte, Cerati sigue siendo Cerati de Soda Stereo, genial pero el mismo.
Después siguieron discos como El viaje a ninguna Parte, en donde explora más un sonido llano, en donde las letras están cargadas de vivencias y experiencias viajeras. Bunbury es viajero y lo reciente en su disco doble. Muy bueno el disco pero sin gran cosa qué rescatar.
Hellville de Luxe es un disco que se sacude un poco a los discos Pequeño y Flamingos. Vuelve a las guitarras eléctricas y le aporta una frescura a su camino musical. El hombre delgado que no flaqueará jamás se desprende como un gran sencillo, y la autobiografía sigue. El disco se convierte en un gran éxito y aunque no sea lo mejor de Bunbury, sí demuestra la honestidad que tiene para con la música. Esa es parte de la madurez de Enrique Bunbury.
En agosto de este año está previsto su nuevo álbum que llevará por título Las Consecuencias.
Cerramos la encuesta del versus, y los ganadores son Soda Stereo con 12 votos y Enrique Bunbury con 7. Entonces aquí van los especiales.
SODA STEREO
Me guardaré la obligada biografía, pues es lo más sencillo de buscar, y me remitiré mejor en los discos que marcaron a la banda. Si la historia y los astros son propicios, cada determinado momento (para el mundo es un pequeño guiño), alguna banda sale a flote a querer mostrar, con cierta despecho y de forma directa, sus más inquietas necesidades artísticas.
Así surgió Soda Stereo después de tanto comulgar entre las ganas. El primer sencillo que nos llegó a México es “Te hacen falta vitaminas” donde fue muy bien acogido, pero es con “Cuando pase el temblor” del disco “Nada personal” donde encontró la primer seña de que había algo en esa banda. Nada personal, el sencillo fue la confirmación. Significó casi un himno para esa época.
Nada Personal es un disco que bien define las líneas que la banda recorrería, que sería de la experimentación. Si bien, este disco aún contiene las vertientes pop rock, también concuerda la miscelánea de sonidos símiles de los ochentas, y la combinación sensacional de la música andina en “Cuando Pase el temblor” (pionera y padre de otras canciones populares como “ Lamento Boliviano” de los enanitos verdes), Ska “Si no fuera por…”, etc.
Así llegamos al tercer álbum de la banda, Signos, considerado por algunos el segundo mejor disco de la banda. De esta placa sobresalen "Misil en el placard", la memorable “Persiana Americana”, que se convirtió en suceso en México y toda Latinoamérica, "Prófugos", "Signos" y "Final Caja Negra".
Según Cerati, este es un álbum de los más profundos. A diferencia del mosaico sonoro del anterior, Signos empieza a cuajar y destilar su ente musical propio. "Prófugos" es una muestra de lo que vendría después. Las letras son más estéticas y Cerati empieza a conjugar la sonoridad de lo cantado con el ritmo de la canción, volviendo el sonido de la voz un ritmo más, más cadencioso, signo que se empezaba a mostrar en Inglaterra.
Sencillo:
En Doble vida, un sencillo fue lo que destacó y aderezó la carrera meteórica de Soda Stereo, la mítica “En la ciudad de la Furia”, un video largo (06:11) que se convirtió en el video ganador de América Latina en los premios MTV. La letra es de las más profundas de Soda, y el título es uno de los más hermosos jamás creados.
Con Canción Animal, Soda recibe los noventas, y también, las críticas positivas que catalogan este quinto álbum, como el mejor de la banda y de la historia del rock en Español. Asiento que es un gran disco con temas como "Canción animal", "Té para tres", "Un millón de años luz" y el segundo himno compuesto por Soda (el primero para los ochentas, este segundo para los noventas, exclusivo para los de habla hispana) "De música Ligera", sin embargo, creo intuir que la crítica va más encarrilada al hecho de que con esta placa la banda se consagra como una de las mejores del Rock en Español, y que este disco es un digno trabajo que muestra ese hecho. Las glorias idílicas, creo que vendrían más adelante.
Canción Animal presenta a la banda en un tono más rockerón. Más sólido, más un álbum completo y no muestras disueltas de grandes canciones. Cerati se consolida como un gran escritor de canciones y uno de los mejores guitarristas latinos. “Entre Caníbales” es una canción con momentos variables, aunque la mayoría son algo agitadas. Los momentos de pausa consiguen desembocar en un momento alto de sorpresa. Las guitarras se acentúan y logran enganchar al escucha, y deleitarlo, “desmenuzarlo” en un par de segundos. “Té para tres”, (una de mis favoritas) es una balada sencilla (una guitarra electroacústica y sonidos aderezados) y hermosa, que consuman el hecho de escuchar música sin pretensiones. Esta parte del disco (De música ligera-Hombre al agua-Entre caníbales-Té para tres) es el mejor viaje musical que se ha hecho en la música latina, recordando que la elección y el orden de las canciones, juegan un papel muy importante, ya que son los que marcan al escucha y lo llevan a un destino.
Dynamo es categorizado por los fans y críticos, como un disco experimental, pero no por una peculiaridad sonora, más bien, un experimento de la banda consigo misma. El mismo Cerati menciona que este disco es un paso a un ejercicio musical y que los fans, al igual que él, adoptan este, como un disco muy querido. A mi parecer, es un disco que daba pie al mejor álbum de la banda, y uno de los discos más ambiciosos de la música Latina: Sueño Stereo.
Después de tres años de descanso, en los que se especulaba el fin de la banda, sale a la realidad el disco Sueño Stereo, convirtiéndose en disco de platino a los pocos días de salido. Esta placa considera 4 secciones, cada una con un pico discordante del anterior pero con la misma delicia de la sosa acústica de la banda. Es en este disco donde se encuentran frases imborrables de Cerati. Frases más con un sentido sentencioso que demostrativo. Cerati ahonda más en la efectividad de las frases dentro de la canción que el mostrarse como un gran compositor: Era una piedra en el agua, seca por dentro (una frase que se nos hace muy familiar pero no registrada), “Te perseguiría hasta el sol…” y la bella “…es el efecto Dopler, cuando te alejas de mí”, y la inolvidable, “aún tengo al sol para besar tu sombra…” ( Romántica frase sin caer en lo empalagoso).
Destacar las canciones sería un acto “baladí” diría Borges, pero un repaso sería reconfortante: La orquesta seria y amarga de "Ella uso mi cabeza como un revólver", la alegría y llena de sensualidad "Zoom", la travesía positiva de "Paseando por Roma", la extrañamente bella “Ángel Eléctrico”, la consumación de la musa en “Planta”, convierten Sueño Stereo en una experiencia inolvidable. Pero hay una canción que se perfila en la perfección de la banda: Efecto Doppler.
Una canción raramente triste. El comienzo es una batería en tono de guerra. Al entrar los primero acordes la convierten más en una cabalgata sobre un campo abierto y nublado. La voz de Cerati canta lenta la letra y se aprecia cierta tristeza. Los violines resaltan lo que oímos: oye el arco suena, lágrimas cada vez que lo tensas. El ritmo alcanza un nuevo escalón con el primer coro “Es el efecto doppler, cuando te alejas de mí”, y los violines nos vuelven a mostrar las lágrimas tensadas, después viene el llanto escurrido como caído de una catarata, con el segundo coro “Es el efecto doppler, cuando te alejas de mí” y la í se desnuda sacudiéndose ese sonido alegre con que lo escuchamos normalmente,para mostrarnos su eterna tristeza.
Después de la incomparable placa de Sueño Stereo, vino el unplugged.:Comfort y música para volar. Un disco agradable que transforma las canciones conocidas por Soda Stereo en un ritmo diferente, dándole matices diversos a canciones como un misil en mi placard, entre caníbales y“En la ciudad de la Furia” en donde Andrea Echeverrí canto a dueto.
Hace un algunos días el tedio me hizo buscar un poco de alivio entre dvds abandonados, al menos para un par de horas. La gran mayoría de los discos tiene cuatro o cinco películas y ante la modorra de tener que escoger tomé uno olvidado tiempo atrás pero que anunciaba una única elección: Let The Right One In. Si eso no es el destino, no sé que es.
Que difícil es hablar de una película cuando no quieres arruinar ningún tipo de sorpresa. En este sentido o soy una persona simple o muy chapado a la antigua, pues todavía creo que una de las mayores satisfacciones del cine y la literatura es ese río de sensaciones que llegan con la primera lectura; la lectura inocente. Así que, para mantener mi molesto código de honor, sugiero dos senderos a elegir; detén tu lectura ahora mismo, pasa por alto cualquier reseña o trailer, consigue la película lo más pronto posible y convencete por ti mismo, eso sí, con la promesa de que no te arrepentiras o, termina de leer estos parrafos, deja que te de las razones por las que creo que es una obra maestra obligada; consiguela inmediatamente y juzga por tu cuenta.
Avisado estás, yo me deslindo responsabilidades. Y si es que en este punto todavía estás leyendo significa que elegiste pasarte por alto todas las advertencias, así que, antes que nada: sí; LTROI es una película CON vampiros (sé como suena, pero no, no dejes de leer). Afortunadamente, no todo el mundo comparte la visión de Anne Rice y Sthepenie Meyer de que los vampiros tienen que ser un desfile de rostros/modelos Guess. No encontrarás aquí la historia de María Mercedes con colmillos. Desde Adicción o incluso The Hunger no me había sentido sorprendido de forma tan grata con el manejo del tema. Emocional pero sin sentimentalismo baratos, la inmersión no es instantánea, los elementos van presentandose gradualmente, hasta situarnos en el punto exacto de partida - dos niños, dos mundos y sus respectivas dificultades, y aún así, un paralelismo constante; la no pertenencia. Esta es la esencia con la que se construyen y se desarrollan ambas historias, el vampirismo es sólo un elemento más que enriquece y complica la trama.
La actuación de Kåre Hedebrant (Oskar) y sobre todo la de Lina Leandersson (Eli), los personajes principales, es monumental. A cada momento los guiños y actitudes van desnudando la personalidad de cada uno. La fotografía es otro enorme acierto, se fusiona perfectamente con el carácter de los personajes como si fuese una extensión de los mismos y de paso envuelve al espectador en ambientes melancólicos y silenciosos. Es una vida grís, solitaria en la que incluso la luz es así, opaca.
El director es Tomas Alfredson, quien logra una narrativa exacta y muy emotiva. Partiendo de un enfoque totalmente realista nos lleva de paseo a situaciones sobrenaturales que, contrario a lo que podría parecer, se empapan de una placentera credibilidad. La cinta está basada en la novela homónima de John Ajvide Lindqvist (bastante popular en Suecia por cierto), quién, afortunadamente, tambien adaptó el guión de la película.
De la trama no diré nada más pero en verdad espero que te des el tiempo de descubrir esta gema escandinava de la cinematografía.
jueves, 25 de junio de 2009
Y bueno, dejando de lado las futuras bromas sobre lo seguros que pueden estar ahora los niños, el valor de los pepsilindros, la pérdida de uno de los personajes centrales del planeta de los simos y el cambio de raza que estarán rondando nuestras platicas; la verdad es que murió el más grande icono Pop del planeta.
En Zombie Eaters no podia pasar desapercibido (como buenos zombies que somos), así que, a modo de tributo, un par de videos "alternativos" del clásico Triller:
Y hasta ahí, que me sale mi lagrimita (¡Los zombies también lloran!)
Phil Anselmo podrá ser un reverendo hijodeputa como ser humano; pero definitivamente, cuando se trata de su trabajo, es un reverendo chingón hijodeputa. Y su trabajo es hacer música.
Luego de comerse al mundo con una banda que estuvo en la cima del mundo y de un periodo bastante oscuro, las aguas han vuelto a su cauce. Centrado y maduro (!¡), Phil está dedicado de lleno a Down, una interesantísima banda que serpentea por una buena cantidad de géneros que la hacen imposible de encasillar.
Pero Down no está formada por una parvada de don nadies, que se dedica a acompañar y hacer lucir al controvertido vocalista, no. La banda es un conjunto de perros viejos, con mucho talento y experiencia. Comencemos por nombrar a Pepper Keenan el otro autor intelectual de que Down cobrará vida. Kennan es nada más y nada menos que la guitarra y voz actual de otra bandota: Corrosion of Conformity. Por si esto no fuera bastante bueno, Rex Brown está en el bajo. Otro ex Pantera ( con ellos dos ya tienen la mitad de la mítica banda texana en sus filas) que vino a sustituir a Todd Strange, el bajista original, quién fuera también miembro de Crowbar (ahora retirado de la música y dedicado a la reparación de maquinaria). Kim Windstein en la segunda guitarra ha prestado sus cuerdas para bandas como Crowbar y Kingdom of Sorrow. El quinteto lo cierra el baterista Jimmy Bower, que no se queda atrás en historial: ha tocado la guitarra para grupos como Eyehategod, Superjoint Ritual, The Mystick Krewe of Clearlight y la bateria para Crowbar y Corrosion of Conformity.
Si nos ponemos a sacar cuentas tenemos que, entre todos los integrantes hay vertientes de Doom, Stoner, Sludge, Thrash y Heavy Metal; amén de todas sus influencias. Entonces, ¿Cómo explicar el sonido de Down? La única manera que se me ocurre es la siguiente:
Supongamos que en un Low Rider viajan los géneros antes mencionados a 180 km/h; con un buen jazz de fondo sonando en el estéreo, todos van atestados a más no poder de alcohol y una buena dosis de hierba y sustancias ilegales. Supongamos ahora que de la nada ponemos un muro en medio de su camino. Bueno, la fina cubierta con la que quedaría barnizada la pared es la aproximación más exacta para describir la música de Down; si damos por hecho que la pequeña muralla es la propia banda.
La larga amistad cultivada con los años ha dejado un sonido compacto y sólido. Si es verdad que por momentos Black Sabbath e incluso Pantera hacen fantasmales actos de presencia (agradeciendo infinitamente que en ningún momento suene a plagio o repetición) , también lo es que las influencias no se limítan solamente a la parte musical de los nativos de Nueva Orleáns; la ciudad misma destila sus rasgos a lo largo de los discos del grupo; en su lírica y en la ambientación.
Down ha producido hasta el momento tres discos: Nola (1995), Down II: A Bustle in Your Hedgerow (2002) y Down III:Over the Under (2007), aunque amenaza con un Down IV que vería la luz en el final del 2009 ó principios del 2010.
¿Quién dijo que un perro viejo no aprende trucos nuevos?
En estos tiempos de crueldad, siempre se asoma una luz que nos da tiempo para reflexionar y seguir con la vida. Es por eso que existen las temporadas ya sean de ropa, de juegos, de peliculas, o de musica. Y aqui nos estacionamos y damos un agradecimiento a mi amiga Fernanda, por brindarnos este video.
Es el nuevo exito que esta volviendo loco a todo Mexico. Espero les guste, chequen>
Gritos y susurros es del tipo de películas que en estos tiempos ya no se realizan, hora no sería cun trabajo onvencional. Todo queda claro al intentar comprender al maestro Ingmar Bergam. Esta película se estrenó en 1972 y su rodaje duró 42 días.
Como es costumbre, Bergman intenta hacer un retrato de la triste condición humanacual padecimiento grave. La película transcurre en una hermosa casa inglesa, en ella se encuentran las hermanas Karin y María que junto con la sirvienta Anna cuidan de los últimos días de Agnes, la tercera hermana que se encuentra en agonía debido al cáncer en el útero que le produce severos dolores hasta su momento final.
Las tres hermanas eran muy unidas cuando eran niñas. Con el tiempo y la educación ellas se fueron distanciando física y emocionalmente para cumplir las expectativas que su nivel social les exige. Anna, la sirvienta, ha perdido a su hija tras una enfermedad. Ella ha trabajado para Agnes duran más de doce años y es quien se ha encargado de cuidar su enfermedad, llegan a tener una relación más íntima de la debida, una relación de madre e hija unidas por la fe en Dios.
La fotografía es una de las cosas más sobresalientes en la película, durante todo el transcurrir de esta se pueden notar como exclusivos los colores rojo, negro y blanco. Gracias a este resultado Sven Nykvist ganó el Oscar a la mejor fotografía. Bergman era un cineasta que jugaba con los simbolismos y de ahí que predominen esos colores. El rojo, para esta película, simboliza el interior de las personas, sus emociones y el alma. El blanco es un color virginal, por eso a Agnes siempre se le verá vestida de blanco. El negro para Bergman ha sido un símbolo religioso, el color de los curas, la muerte, la cristiandad.
La película habla de muchas cosas, el guión de Bergman esta plagado de diálogos extensos que en ocasiones parecen más a soliloquios. Entre los temas que se tocas en esta película esta el tradicionalismo; Karin y María están casadas con hombres que no aman y mantiene sus relaciones por simples conveniencias. María es una mujer con instintos que van en contra de los valores y requerimientos matrimoniales. Karin tiene un marido sofocante y es déspota igual que él, busca que su marido se mantenga alejado de ella lo más posible, por eso se automutila.
En esta película también se tocan temas como la muerte, el cariño, la fraternalidad, la tristeza, la agonía, el dolor físico y emocional, la fe en Dios y las dudas hacia esta fe. La enfermedad de Agnes, el cáncer en el útero, es un símbolo de la represión sexual y por eso el color blanco de sus ropas que acentúa su condición virgen.
Con gritos y susurros Ingmar Bergman nos entrega uno de sus mejores trabajos plagado de un contundente impacto visual.
A continuación intento describir una secuencia con su parlamento fielmente transcrito:
(Agnes en el regazo de Anna depuse de su resurrección.)
La habitación donde se encuentra el cuerpo de Agnes, quien hace unas horas murió por el cáncer en la matriz que le hacia sufrir.
Un par de mujeres vestidas de negro abren en par las puertas y dan la señal al sacerdote para que entre a la habitación, detrás de el entran más mujeres nocturnas. El sacerdote se abre paso hacia la habitación, disimula un poco su rostro de consternación, se para al pie de la cama en donde se encuentra el cuerpo, abre la biblia y sin leerla pronuncia:
“Dios, nuestro padre, con infinita sabiduría decidió llevarte consigo en la flor de la juventud. Antes te consideró digna de soportar un sufrimiento largo y penoso. Lo aceptaste paciente y sin quejarte sabiendo que tus pecados serian perdonados por la muerte de Cristo en la cruz. Que tu padre celestial se apiade de tu alma cuando estés en su presencia. Que sus ángeles borren el recuerdo del dolor”.
El sacerdote camina y se para a la izquierda de la cama, ve el cuerpo de Agnes y se hinca, mientras lo hace cierra la biblia para colocarla en el suelo; las mujeres con trajes de cuervo que se encuentran en la habitación también se hincan con más trabajo por el volumen de sus atuendos. Como reflejo del momento el sacerdote muestra el rostro de la aflicción e inmutable, con la mirada hacia el frente en un tipo de pesadumbre dice:
“Si recolectaste nuestro dolor con tu cuerpo y lo llevaste contigo hasta la muerte, si te encuentras con Dios en ese otro mundo, si Él vuelve el rostro hacia ti, si quieres conocer el lenguaje de Díos, si puedes hablar con el Señor, si es así, ruega por nosotros. Agnes, querida, escucha lo que te digo. Ruega por nosotros que nos quedamos en el mundo sucio bajo un cielo cruel. Deposita tu carga a los pies del señor. Y pídele que nos perdone. Pídele que nos libere por fin de nuestra ansiedad, de nuestro cansancio y nuestras dudas. Pídele que le de significado a nuestras vidas. Agnes que has sufrido tanto y tanto tiempo, debes ser digna de pedir por nosotros”.
Esta es una pequeña muestra de lo que viene en próximos post. Es de música, es de una gran banda canadiense. Espero les encante, el post de este artista (en toda la extensión de la palabra) vendrá pronto. DVT
Navegando por el Yotuve en búsqueda de algún cover interesante me topé con un antiguo video conocido que, cuando estoy deprimido, me ha sacado de apuros en varias ocasiones. Entonces, decidí hacer una pequeña selección de algunas de las versiones "menos agraciadas" del mundo del rock.
Iniciamos en el ámbito amateur. ¿Quién no ha cantado nunca bajo la regadera? ¿quién no se ha emborrachado alguna vez y gritado a todo lo que da con los amigos? Hay alguno que otro que incluso se toma el atrevimiento de grabarse. Y está bien, no pasa nada, en verdad, en la intimidad todo se vale, y si uno es feliz ¿qué más da? El problema radica cuando se pierde el piso y comenzamos a creer que por dejarnos el bigote y el pelo en el pecho uno puede llegar a alcanzar los tonos de Freddy Mercury. Debo mencionar que en ocasiones los allegados son los verdaderos culpables, tratando de ser amables ocultan la verdad, piensan que, tal vez, es sólo una etapa; incluso llegan a animarlos.
Para todos aquellos que acostumbran alentar a sus conocidos sin importar que tan grave parezca la situación, un consejo; cuidado pues, que el resultado puede terminar en algo como lo siguiente, señores:
¿Ven lo que pasa? Ahora supongamos, que no eres únicamente tú el que cree que ha sido bendecido con el don de las artes musicales. No, son cuatro o cinco "virtuosos" más, y por azares del destino, llegan a convergir en una misma escuela, una misma generación, incluso tal vez, en un mismo salón de clases. Digo esas cosas pasan. Si existe Dios, también el Diablo. Y entonces, tenemos ahí a un grupo semiprofesional. Lo que me lleva a mi segundo consejo: no mezclen negocios con el placer. Si deciden organizar una fiesta cerciórense, repito, cerciórense bajo cualquier circunstancia que el invitar a su grupo de amigos a tocar es una buena idea:
Todo lo anterior puedo aceptarlo, ces´t la vie, ¡que más da!Pero ¡coño, no mames las bolas del dragón! Cuando tienes todo un equipo de profesionales, gente seria cuidando tu imagen y tu espalda, cuando vendes miles de discos, llenas estadios y has vuelto loca a toda una generación de mujeres que todavía suspiran y bailan con sus escobas en espera del Leonardo DiCaprio que se congele las bolas en gentil acto de sacrificio por ellas; ¿que necesidad tienes de hacer un ridículo de tal magnitud como este?
Una de las canciones emblema del rock interpretada por la antítesis del género mismo: Celine Dion. Y haciendo dúo con una mujer que se hace llamar Anastacia. Los primeros segundos del video, por otra parte, son impagables. Verla tratar de hacer, lo que yo supongo es, un poco de Air guitar salvaje, y luego el ataque de chiripiorca que le da en un intento de emular el clásico paso de Angus Young, estan grabados en mi memoria, y en la de mi computadora y en un disco compacto de respaldo. No es algo que uno quiera perder por un descuido estúpido, porque si llega a pasar el mundo va a ser un lugar menos colorido.
Por ahí leí que los italianos acostumbran a decir no mezcles la mierda con el chocolate, a lo que me gustaría agregar: ¡felicidades, señora Dion! la combinación le quedó sublime.
